Tag: Fashion

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Upgrading the basics of menswear, Tiiki presented twists to old classics. 

The runway was full of eye-catching contrasting elements, like stripe and plaid chapped pants, textured sleeves, and bright collars.

Unexpected combinations have your eyes doing a double-take and examining every inch of this collection.

Clearly inspired by urban influences, the looks were dominated by hoodies, sweatshirts, and bombers.

Tiiki even brought back joggers, textured and in rich shades of green and blue; on top lied jackets with clean lines interrupted by bulky sleeves. 

Our favorite? The grommet bomber. Let us know your picks on Instagram @dispurs.mag.

남자 패션 디자이너 티키는 클래식한 스타일을 새로운 방법으로 변신한 모습을 보여주었다.

런웨이에서 스트라이프와 플래드 chap 바지, 스테이트먼트 소매, 밝은색 컬러는  대조적인 색으로 가득했으며 예상 못 된 옷이 많으니 컬렉션을 보면서 계속 흠칫 놀라는데 컬렉션을 면밀히 살펴보게 된다.

후디, 맨투맨, 봄버 자켓이 컬력션의 대부분을 차지해 어반 스타일에서 영감이 받는 것이 분명하다.

티키는 텍스쳐가 있고 선명한 녹색, 파란색으로 조거 바지도 부활시키며 부피가 큰 소매를 제외 시키면서 깨끗한 자켓과 짝이 되다.

저희 가장 좋아하는 옷은 쇠고리 봄버 자켓인데 여러분들이 인스타그램에 @dispurs.mag 태그하고 티키 컬렉션 중에 가장 좋아하시는 옷이 무엇인지 알려주세요!

Photos by: Lian Olga

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MUNN’s gentlemanly style is back for another round with their F/W ’17 line. 

The key to this season’s collection lied in matching jacket and trouser sets. Both the dominance and combination of stripes and plaid gave these looks an old-school grunge vibe, tying the concept together with a guitar case and guitar print sweaters.

Coming in unexpected textures, thick scarves bundled up the models, as belted waists offset the loose-fitting pieces.

Playful, “alternative” masculine details were a pleasant sight, the ruffles and colored piping standing out against the monochrome.

MUNN’s ability to master the balance between stylish and wearable, as well as vintage and modern, took it to the top of our must-haves this fall.

문의 “젠틀맨” 스타일이 FW 17시즌에 돌아왔다.

이번 시즌의 컬렉션 포인트는? 맞추는 자켓과 바지 세트이다.

컬렉션에 많이 나온 스트라이프와 플래드 패턴이 기타 맨투맨과 케이스로 옛날의 그런지 컨셉을 만들었다.

예상 되지 않은 텍스쳐로 만든 목도리가 모델들을 따뜻이 둘러싸면서 루즈핏 옷과 벨트도 보여주었다.

모노크롬과 대조된 러플스와 화려한 피핑 같은 특이한 디테일이 있었다.

스타일과 착용감의 균형과 빈티지와 모던의 균형을 잘 만들기에 문이 ‘가을의 필수템’ 맨 위로 올라갔다. 

Photos by: Lian Olga

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Dipped in sultry neutrals, L.aimant is three things: Clean, classic, and feminine.

Wide legs and long silhouettes offer sophistication and comfort amongst whimsical pieces.

Adding a bit of stripes for pattern, the collection turns its focus to texture to create a refined minimalist look—a nod to its Parisian influence, perhaps?

Though An kept things sweet with feminine a-line skirts and simplicity, the bat-like top with matching cuffs were an unexpected delight.

L.aimant designer Jaehyun An’s ability to balance simplicity with great visuals is what makes him stand out amongst the Generation Next designers. What direction will he head towards next?

올해 관능적인 무채색으로 만든 레망뜨는 깨끗하고 클레식하고 여성스러운 컬렉션이다.

그림 같은 옷 중에서 와이드 레그 바지와 롱 실루엣은 편하게만 보이지만 분명 세련미를 보여주고 있다.

스트라이프 패턴을 조금 추가했지만 컬렉션이 전체적으로 미니멀리스트 룩을 만들도록 텍스쳐에 의지 한다—파리에서 영감을 많이 받은 것을 보여주는 것 같다

레망뜨는 여성스러운 A-line 옷단이 당연히 이뻤지만 한편 박쥐 날개를 생각나게 하는 탑과 커프 가 보는 즐거움이 있다.

간소함으로 이쁜 시각의 균형을 만들 수 있는 레망뜨 디자이너 안재현의 실력이 다른 제너레이션넥스트 디자이너들보다 두드러지도 한다. 어떤 방향으로 갈지 앞으로 행보가 기대된다.

Photos by: Lian Olga

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Fashion journalist Anna Kim talks to emerging Korean designer Lyn Jun Park, digging deep into his conscience to get a better idea of who he is and where he is going.

1. Hello, I just want to start off by saying I loved your last collection for Pale Turquoise. Can you tell me how long have you been designing?

I first started to have an interest in dyeing clothes from when I was in school, about 15 years old. I knew how to sew since middle school, but I only created my brand two years ago. Before starting my own brand, I worked in PARTsPARTs as an assistant designer.

2. It is interesting to know that you have been interested in the dyeing process from such a young age; did you go to a special school for this?

Unfortunately, my private school had no fashion or design specialty classes. It did, however, have classes about dyeing. This is not considered a specialty class, since I am from Jeju Island and this is considered common there.

3. Tell me more about your brand.

The main concept, or inspiration, for Pale Turquoise is an aquarium full of sea creatures like turtles or jellyfish. Since my brand is so intimately connected to sea life, I have a pass to Lotte Aquarium [in Seoul], because I go there very often—About twice a week.

4. Can you tell me what luxury means to you? Your brand is eco-lux—what does that mean to you?

It is important to be not arrogant, but creative. The main idea of luxury is that it is not affordable. This means my clothes and bags are not for everyone; it is more exclusive. However, despite this, I always keep the environment and nature in mind—This is what luxury means to me.

5. Do you think Korea is ready for luxury brands?

No, unfortunately I don’t think it’s quite ready. Practically, most prefer to buy low-quality clothes, because it’s affordable. But, affordable clothes, or “fast fashion”, are bad for the environment. Like I said earlier, I love the brand PARTsPARTs, where I used to work. Their goal is zero waste, and they create and make clothes in an economical way. They position fabrics as close as possible to minimize waste and cutting fabrics.

6. Do you also follow this principle of zero waste?

Unfortunately, I cannot follow this principle at the moment, but I am really working on decreasing any waste for [future collections].

7. Have you experienced luxury in Seoul?

If you’re asking me about the most luxurious place in Korea, for me a “luxurious” place should reflect a country’s culture and essence. This is why for me the most luxurious place is Gyeongbokgung Palace or Inwang Mountain. I love nature, probably because I’m from Jeju. It is different than what most people think of as luxury. I’m sure most would say gold or something expensive, but for Korea, I think it’s Gyeongbokgung.

8. You said that you have been inspired by the aquarium and PARTsPARTs, but are there any other things that inspire you, like art, movies, or music?

Yes, I am really influenced by music. I listen to different kinds of music, but I prefer fusion hip-hop, which includes Korean traditional instruments. During fashion shows I usually use music with the sound of water and birds. I can even say that it is more like meditation music, good for yoga. Also, I like shapes. Some inspire me, like Korean vases or glasses

9. What will your next collection look like?

I already made a title for the collection; the title will be: The Year 2030. It would have a similar theme to past collections, but a bit more developed and futuristic. When I checked global trends, trend forecasters say that for the next year futuristic themes will be the most popular.

10. Have you collaborated with other designers?

No, I do not want to collaborate with other fashion designers since I’m the best at what I do. But, it would be probably good to collaborate with other designers in other categories, like interior design, for example.

11. Can you give some advice to new designers? What is the best way for new designers to start out?

I would recommend to start from an online store and later have an offline store in shopping centers; however, in reality the best way is to have your own store, which requires a lot of money. In shopping centers you have to pay rent to use the space, so having your own store is really the best way.

패션 기자 김 안나가 최근 인기를 얻고 있는 한국 디자이너 박린준과 함께 그가 어떤 그리고 앞으로 그의 계획이 무엇인지 이야기한다. 

1. 최근 페일 터콰이즈 컬렉션은 정말 아름다웠습니다. 언제부터 디자인을 시작했나요?

15살쯤 이었을때 부터 옷감을 염색하는 것에 관심을 가지기 시작했습니다. 중학생 때부터 바느질하는 법을 알았지만 제 브랜드는 2년전에 만들었습니다. 제 브랜드를 만들기 전에는 PARTsPARTs에서 디자이너로 일 했습니다.

2. 어렸을 때부터 옷감을 염색하는 것에 대해 관심이 있었다니 특이하네요. 특별히 이것을 위해 수업을 들었나요?

안타깝게도 제가 다녔던 사립학교에는 패션이나 디자인 관련 수업이 없었습니다. 하지만 염색에 관련된 수업은 있었죠. 제주도에서는 특별한 수업이 아닌 흔히 볼 수 있는 수업입니다.  

3. 브랜드에 대해 좀 소개 해 주세요.

제 브랜드의 메인 컨샙은 바다 거북과 해파리 같은 해양 생물을 가득한 수족관입니다. 제 브랜드는 해양 생물과 밀접한 관계를 가지고 있기 때문에 저는 롯데 수족관 패스도 가지고 있습니다. 일주일에 두 번 정도 가기떄문이죠.

4. 럭셔리는 어떤 의미입니까? 디자이너님의 브랜드는 eco-lux인데 이것은 디자이너님께 어떤 의미 입니까?

 오만하지 않고 창의적인 것이 가장 중요합니다. 호화로움, 럭셔리함은 가격이 저렴하지 않다는 의미를 담고 있습니다. 이것은 제 옷과 가방은 모두를 위한 것이 아닌, 특별한 것이죠. 하지만 저는 항상 환경과 자연을 생각합니다. 호화로움 이란 저에게 이러한 의미입니다. 

5. 한국 사람들이 럭셔리한 브랜드를 좋아할까요?

 안타깝게도 아직이라고 생각합니다. 대부분의 한국 사람들이 가격이 저렴하고 낮은 퀄리티의 옷을 좋아합니다. 하지만 가격이 저렴한 옷 즉 “빠른 패션 (fast fashion)은 환경에 좋지 않습니다. 제가 이전에도 말했듯 저는 제가 일했었던 PARTsPARTs를 매우 좋아합니다. 그들의 목표는 낭비를 하지 않는 것이죠. 그들은 옷감을 자르거나 옷을 만들 때 최대한 낭비를 하지 않으려고 노력합니다.

6. 디자이너님도 무폐기물 규칙을 따르나요? 

안타깝게도 지금은 따르지 못하고 있습니다. 하지만 저는 앞으로의 제 컬렉션에서는 최대한 낭비가 없도록 하기 위해 노력하고 있습니다. 

7. 서울에서 호화로운 경험을 한 적이 있었습니까?

 한국에서 가장 호화로운 장소라고 한다면 저는 ‘호화로운, 럭셔리한’ 장소는 그 나라의 문화를 잘 반영한 곳이어야 한다고 합니다. 이러한 의미에서 저에게 호화로운 장소는 경복궁, 혹은 인왕산 입니다. 아마 제가 제주도에서 와서 그런지 몰라도 저는 자연을 사랑합니다. 대부분의 사람들이 생각하는 호화로움과는 조금 다를 것 이라고 생각합니다. 대부분의 사람들이 호화로움을 생각하면 금 혹은다른 비싼 것들을 생각할 것입니다. 하지만 한국의 호화로움은 저는 경복궁이라고 생각합니다. 

8. PARTsPARTs, 그리고 수족관에서 영감을 받는다고 이야기 하셨는데, 음악이나 영화처럼 다른 것에도 영감을 받나요?

 네, 음악에서 영감을 많이 받습니다. 여러 가지 음악을 듣지만 저는 한국 전통 악기의 연주가 포함된 퓨전 힙합을 가장 좋아합니다. 패션쇼에서 저는 물과 새 소리를 많이 씁니다. 명상, 그리고 요가를 할 때 듣는 음악과 비슷하겠네요.  또한 저는 형태를 좋아합니다. 한국의 자기나 그릇들이 저에게 영감을 주기도 합니다. 

9. 다음 컬렉션은 어떠한가요? 

제 다음 컬렉션의 주제에 대해 생각을 해 보았습니다. 바로  ‘2013년’입니다. 최근 컬렉의 주제와 좀 비슷하지만 조금 더 발전되고미래 지향적인 룩 입니다.. 글로벌 트렌드를 보았을 때 이런 미래 지향적인 주제는 인기가 많을 것이라 생각됩니다. 

10. 다른 디자이너와 함께 일한 적이 있습니까?

 아니요, 저는 제가 잘 한다고 생각하기 때문에 다른 디자이너와 별로 일을 같이 하고 싶지 않습니다. 하지만 다른 분야의 디자이너들과는 함께 일해보고 싶습니다. 예를들어 인테리어 디자이너 같은 경우 말이죠. 

11. 새로운 디자이너에게 조언을 해줄 수 있을까요? 신입 디자이너들은 어떻게 시작하는 것이 좋을까요? 

온라인 샵을 먼저 만들고 나중에 쇼핑센터에 오프라인 샵을 만드는 것을 추천하지만 가장 좋은 방법은 자신의 샵을 가지는 것입니다. 물론 돈이 많이 들기는 합니다. 쇼핑센터에서는 임대료를 내야 하기 때문에 자신만의 샵을 가지는 것이 가장 훌륭한 방법입니다. 

Original Interview: Anna Kim
Translation: Diana Horsfall

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Haebangchon, Seoul. In a place that has quickly become a popular go-to among Seoul residents lies leather brand Ryui Kei. A step into its studio reveals a soft, familiar atmosphere, with a workspace out for all to see. Not only does the brand offer handcrafted bags, wallets, and small accessories, but the designer, HeeYoung Kim, also teaches leather crafting classes. One look at her nimble fingers putting together a masterpiece makes it easy to understand the quality of her creations. The classic styles reach outside the boundaries of neutrals and can be bought online or made to order, giving you a plethora of options.

To see more: http://www.ryuikei.com

서울의 해방촌. 가죽 브랜드 류이케이는 서울 거주자들에게 점점 인기를 얻고 있는 해방촌에 위치하고 있다. 방문자 모두가 볼 수 있는 작업 공간으로 이루어진 스튜디오에 들어서면 부드럽고 친숙한 분위기가 방문자들을 반긴다. 류이케이는 수작업으로 제작된 가방, 지갑 그리고 작은 액세서리를 판매할 뿐만 아니라 류이케이 디자이너 김희영의 가죽 세공 수업 또한 진행된다. 그녀의 숙련된 작업을 보고 있으면 그녀가 제작한 물건들이 높은 퀄리티를 자랑하는 이유를 알 수 있다. 류이케이는 무채색부터 클래식한 스타일의 다양한 제품들을온 라인으로 판매하며 주문 제작도 가능하다.

더 자세히 보기: http://www.ryuikei.com

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Ader Error, burrowed back in a quiet section of Itaewon.

The showroom of this on- and off-line store fuses together casual and preppy vibes for must-have pieces in your daily life. 

Its usage of standard colors give off a 1970s feel amongst the magazine-ready looks, and the school theme highlights its youthfulness; however, there is no doubt these quality pieces can easily mix-and-match with other styles. 

The prices match the materials, and with one touch you’ll instantly understand.

Seemingly following trends, yet paving the way for its future, Ader Error is in fact a timeless brand that will keep you forever young.

Too see more: http://www.adererror.com

아더에러. 이태원에 조용한 곳에서 부터 파고 들었던 브랜드다. 이곳의 온라인과 오프라인 매장은 당신의 일상 생활에 빼놓을 수 없는 필수템들을 위한 캐쥬얼, 프레피 분위기가 공존한다.

매거진 같은 스타일 중에도, 기본색을 이용한 점이 1970년대 분위기를 풍기며, ‘학생’ 테마 컬렉션은 젊음을 강조하지만 높은 퀄리티를 자랑하며 다른 스타일과 쉽게 믹스 매치 할 수 있다.

값은 옷감의 퀄리티에 따라 다르지만 한번만 만져봐도 바로 알게 될 것이다.

트렌드를 따라 하는 브랜드인 것 같지만 클래식하여 미래를 위해 길을 열고 고객들에게 젊음을 유지 시켜줄 브렌드다.

 

 

 

더 자세히 보기: 아더에러

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Greeting visitors with pouting mannequins, The Centaur, founded in 2008, has come a long way. One look around leaves you basking in the clothes’ shine as gold glitters all over the room. The designer, YERANJI, doesn’t shy away from print, color, or textile, even daring to edge into the urban on occasion. With each element meticulously in place, the showroom boasted Marie Antoinette and 18th century France-inspired touches.

For those who want to stand out, for those who want to make some noise, and for those who want to let their inner self shine. It is a brand exquisite enough to adorn royalty, both feminine and fantastical.

입술을 내미는 마네퀸으로 고객들을 환영하는 더 센토르가 2008년에 설립된 이후로 많은 발전을 했다. 한번 둘러볼 때 금색이 쇼룸 안에 반짝 반짝 빛나 금빛이 몸을 감싸는 느낌을 받을 수 있다. 더 센토르 디자이너 예란지는 가끔씩 어반 쪽 까지 프린트, 비비드 컬러한 디자인도 피하지 않는다. 각 요소를 배치 한 쇼룸은 마리 앙투아네트와 18세기 프랑스 풍의 터치를 자랑했다. 

이 브랜드는 자신의 개성을 더 돋보이고 싶은 사람과 자기의 내면을 보여주고 싶은 사람을 위한 브랜드며 여성적이고 환상적인 로열티를 꾸미는데 절묘한 브랜드다.

 

The two-floor showroom is currently showcasing The Centaur’s winter designs, with spring styles set to come out in February.

To learn more, you can visit The Centaur here.

2층 쇼룸에서는 현재 더 센토르의 겨울 디자인을 전시하고 있다. 봄 스타일은 2월에 나올 예정이다.

 

더 자세히 보기: 더 센토르

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Trends. They come and go every season, progressing through the life cycle and back again, and the F/W 2016 season is no different. If you’ve been paying attention, you’ll know that “athleisure” is still here, along with ruffles, velvet, statement booties, and more. Of course, not all of the runway’s must-have trends are wearable for those not in the fashion industry—When was the last time you wore baroque print to work in an office?—so we’re giving you the most practical buys for fall and winter.

Puffer jackets – Whether you’re in Canada or Russia, Korea or Finland, the lack of sun accompanies a sharp temperature drop that has everyone huddling in packs. When you’re about to freeze to death (literally) puffer jackets are a saving grace. The quality of goose down is well worth the price, and this season puffers are coming in every shape and color so you can easily find one that matches your style.

패션은 항상 돌고 도다. 매 시즌 트렌드가 돌아 왔다가 다시 다른 트렌드로 바뀌기도 하죠. 2016년 F/W도 크게 다르지 않다. 만약 2016년 F/W 패션 트렌드에 관심이 있는 분들이라면 아마 주름장식, 벨벳, 부티와 함께 애슬레저 (애슬레틱 + 레저)의 유행이 지속되고 있다는 것을 알고 있을 것이다. 물론, 패션업에 종사하지 않은 사람들에게는 런웨이의 트렌드들이 소화하기 힘들 수도 있다. 여러분이 가장 마지막으로 바로크 무늬의 옷을 입고 출근한 적은 인가요? 저희는 이번 가을과 겨울을 위해 여러분에게 가장 실용적이고 효율적인 패션을 제안하려고 한다.  

바로 패딩 자켓이다. 캐나다는, 러시아이든, 혹은 한국이든 핀란드이든, 해가 짧아지면 기온이 떨어지고 모두 추위를 이겨내고자 옹기종기 모이게 된다. 얼어 죽기 직전에 이 패딩 자켓은 여러분 모두를 추워에서 구해 줄 것이다. 구스 다운의 품질은 그 가격 만큼의 가치를 가지고 있다. 그리고 이번 시즌 패딩 자켓은 다양한 디자인과 색으로 제작되어 여러분 개개인에게 어울리는 디자인의 자켓을 찾을 수 있도록 해줄 것이다.
 

@jkm19830806
@jkm19830806

Urban streetwear – Practical in the sense you can wear these whenever you need to quickly run errands or just don’t feel like actually getting dressed. Hoodies, beanies, and leather are incredibly easy to throw on for a “simply cool” vibe without sacrificing style.

이 옷들은 어반 스트릿 스타일로 간단하게 집 근처에 볼일을 보러 나가야 할때, 혹은 편하게 옷을 입고 싶을 때 편하게 입으면 된다. 후드티, 비니, 그리고 가죽은 쉽고 간편하게 ‘쿨하고 멋진’ 스타일을 창조해 낼 수 있다.

Tartan/Navy Jackets – Two separate trends, but both are great in terms of versatility. With a toned-down tartan or a slick navy jacket, you can dress up or down for any occasion without worry. Sometimes the main fear is not being able to wear something trendy once the season is over, but with these you can easily throw it on over any clothes (yes, navy DOES work with black) and head out the door.

Hit us up on social media and let us know what you’ll be wearing this season.

타탄 무늬와 네이비 색 자켓은 다른 두 가지 패션 이지만 다양한 상황에서 입을 수 있다. 옷을 차려 입어야 하는 상황이나, 캐쥬얼하게 입어야 하는 상황 언제든지 입을 수 있는 옷들이다.  때때로 사람들은 트렌디한 옷을 유행하는 시즌이 지나면 입지 못 하게 된다는 것을 두려워 한다. 하지만 이 타탄 무늬와 네이비 자켓은 어떤 옷들과도 잘 어울리며 언제 어디서나 입을 수 있다. (네이비 옷과 검은색 옷을 같이 입어도 아주 잘 어울리다!) 

디스퍼스의 소셜 미디어 페이지를 방문해서 여러분은 이번 시즌 어떤 스타일의 옷을 입을지 알려주세요.

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지난 100년간 대한민국에는 다양한 변화가 일어났다. 패션도 그중 하나다. 지난 9월 보고 코리아는 지난 100년간의 패션 트렌드 변화를 보여주는 전시회를 개최했다. 저희는 전시회 참가자들을 위해 제공되었던 정보를 아래와 같이 간략하게 정리해 보았다.

1900년 – 1945년 까지의 패션은 2층으로 이루어진 전시회 중, 한 공간에 전시 되었다. 이 시대의 패션은 서구 문화의 영향을 받았다. 일제 감정기 이후 패션은 사람들이 일상 생활로 다시 돌아갈 수 있도록 도움을 주었는데 길거리에는 한복과 저고리, 정장, 지팡이, 사냥 모자를 착요한 사람들이 있었으며 부유계층은 모피로 만들어진 숄과 작은 크기의 오페라 백을 착용했다.

지금은 다양한 외국 브랜드를 만나볼 수 있는 명동은 50년대와 60년대 한국 패션의 중심지다. 특히 이번 전시회에서는 노라 노 디자이너와 최경자 디자이너가 소개되었는데, 노라 노는 미국에서, 최경자는 일본에서 유학 하었다. 노라 노의 세련된 스타일과 최경자의 한국 전통 색을 강조한 기품 있는 디자인은 그들이 명동에 가게를 열었을 때 한국 패션 역사에 한 획을 그을 수 있도록 만들어 주었다.

예술은 각 시대의 시대상을 반영하다. 1970년대의 패션은 자유와 밀접한 연관을 가지고 있다. 박정희 대통령의 사회정책은 대중들이 보헤미안 스타일 추구하도록 했다. 나폴 거리는 긴 치마, 흙빛 색상, 그리고 대중화 대기 시작한 청바지는 사람들에게 ‘자유’라는 기분을 느낄 수 있도록 해주었다.

컬러 TV의 발전과 함께 1980년대의 패션에는 선명한 색상들이 등장하기 시작했다. 어깨패드, 디스코 바지, 그리고 허리를 강조한 옷등과 함께 한국의 경제는 급성장하기 시작했다. 80년대에는 이화여대 앞의 길거리가 가장 스타일리시한 장소였다.

보그 코리아 의하면 1990년대는 한국 디자이너들의 황금기라고 불리다. 정부의 새로운 무역 정책으로 인해 한국에는 많은 외국 브랜드가 유입되었으며 이와함께 패션 시장에는 새로운 트렌드가 소개되었다. 새롭게 등장한 다양하고 새로운 스타일들은 강남 일대 (압구정 로데오, 청담) 그리고 동대문 지역에서 흔히 볼 수 있었다. 이 시기에는 인기 연예인들의 스타일 또한 대중의 많은 관심을 받았다.

한류는 2000년대부터 지금까지 지속되고 있다. 한국의 패션은 글로벌화 됐으며 전세계 곳곳에서 쉽게 한국의 패션을 찾을 수 있다. 더 이상 패션에는 한계가 없다. 21세기의 패션에는 전통과 현대가 공존 하고 있으며 성별, 나이 그리고 계절의 경계가 사라졌다.

아래의 내용을 보면 역사를 볼 수 있다:

Many facets of Korea have changed in the last hundred years; fashion is just one of many. During the month of September, Vogue Korea held an exhibition displaying different trends occurring throughout the past century. Here we briefly go through the main points.

Combining the period of 1900-1945 in a single room, the trends had the mark of Western influence. After Japanese occupation, fashion was a small way to regain control in daily life. The streets were mixed with more traditional hanbok with long jeogeori (jackets), suits and canes, and hunting caps, and for the wealthy, fur stoles and small opera bags. 

Myeongdong, today known for the availability of foreign brands, was the center of Korean fashion in the 50s and 60s. The exhibition featured designers Nora Noh and Kyungja Choi in particular, who had studied abroad in the United States and Japan, respectively. Noh’s sophisticated style and Choi’s traditional Korean colors with elegant lines cemented their place in Korean fashion history when they opened their own boutiques.

As the saying goes, art is a reflection of the world, and the 1970s associated fashion with freedom. President Chunghee Park’s social policies in regards to public morals helped the decade’s bohemian style take hold–Long, flowing skirts, earthy colors, and the newly mass-produced blue jeans both lifted spirits and gave people a taste of the freedom they desired.

With the rise of color TV, the 1980s took bold colors to heart. Along with trends like shoulder pads, disco pants, and emphasizing the waist, the Korean economy was starting to boom. The street in front of Ewha Women’s University was the most stylish at the time.

The 1990s is considered to be the “Golden Age of Korean Designers,” according to Vogue.  The government’s new policies in regards to imports opened Korea to foreign brands, allowing new trends to enter the market. With the explosion of diversity in style, these new styles could be found in Gangnam (Apgujeong Rodeo and Cheongdam) and Dongdaemun. Popular celebrities’ styles also started to peak the interest of Korean society.

The Hallyu, or Korean wave, took hold in the 2000s and is still relevant today. Korean fashion is globalized and seen in all corners of the globe. There is no holding back and this decade plays with a contrast of traditional and modern influences and downplaying gender, age, and season. 

Take a look through history below:

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With its dynamic history beginning thousands of years ago, Korea has managed to preserve pieces of its past along the way. Yangban, a European-Korean brand that fuses aspects of Korean history with a modern street-wear aesthetic, proudly states that one of its goals is to connect past and present. Their t-shirts provoke critical thought into Korean life; however, Yangban is not limited to street-wear. Yangban is also a community that looks at the juxtaposition of art and culture in daily life, soon to be seen in its “Yangban Sessions”. Unabashedly uncommon and unconventional, Yangban is an artsy approach to inspirational irony.

Be part of the club: http://www.yangban.club or shop their street-wear: http://www.yangbanshop.com

천 년이 넘는 다이나믹한 역사를 자랑하는 한국은 다양한 역사를 간직하며 발전해왔다. 양반은 유럽-한국 브랜드로 한국의 역사와 현대의 길거리 패션의 특징을 결합하여 과거와 현재를 잇고자 하는 목표를 훌륭하게 달성하고 있다. 양반은 또한 일상 생활의 예술과 문화를 상반되게 잘 보여주는 ‘양반 세션’ 이라는 비디오를 공개할 예정이다. 양반은 단순한 브랜드를 넘어 한 커뮤니티로 자리 잡고있다. ‘독특하고 평범하지 않은 것을 두려워하지 말라’라는 정신을 강조하는 양반의 정신은 예술적이며 사람들에게 많은 영감을 준다.

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